Alicia Esquivel
Nació en Eldorado, Misiones. Su vida transcurrió entre Corrientes y Misiones. A los 17 años se trasladó a Buenos Aires, estudio en la Escuela Nacional Prilidiano Pueyrredón, más tarde en la Escuela Superior de la Cárcova. Poco tiempo después se marchó a Italia, donde residió unos años. Allí participo en muestras y salones. Cuando regreso a la Argentina vivió un tiempo en la ciudad de Córdoba continuando activa en su trabajo.
Ilustro en esa estadía un par de libros de poetas cordobeses publicados en la universidad Ca’Foscari de Venecia. Volvió a Italia unos años. Como artista emergente expuso en Milán y en San Pablo. Nuevamente en Buenos Aires continuo su formación, hizo clínicas con Jorge López Anaya, Valeria González y Graciela Taquini. Residencias nacionales como “La Rural”, en Raco (Tucumán) e internacionales como “Portal de Luz”, en Uruguay. Participo en salones y muestras, colectivas e individuales; Individuales en; C.C Borges, Galería Lumi, Galería Hoy en el arte, Galería Praxis, Colectivas: Casa del Bicentenario, En el CCK. También expuso en el Museo de Bellas Artes Timoteo Navarro de Tucumán y en el Museo Vidal de Corrientes. Desde su regreso a Buenos Aires fue seleccionada en forma casi ininterrumpida en el salón Nacional en diferentes disciplinas; En su recorrido incursiono en otros soportes, video y arte textil. A través del dibujo manifiesta su obsesión por los animales, la naturaleza y los incendios de su territorio de origen. Premio a la Tercera mejor obra Salón Nacional disciplina Dibujo 2023. Premio Trabucco Dibujo 2024.

Andrés Bancalari
Nació en 1961 en Resistencia, Chaco, Argentina. Es maestro en Artes Visuales y Profesor de Grabado, recibido en el Instituto de Bellas Artes;Alfredo Santiago Pértile”. Fue profesor dictante en el Taller Espacio Didáctico, en el marco de los Encuentros Nacionales y Sudamericanos de Grabado. Fue becario del Proyecto Nuevos Pintores, auspiciado por la Fundación Antorchas y la Fundación para la Amistad Americana, bajo la coordinación de Luis Felipe Noé, Oscar Smoje, Sergio Bazán y Mónica Girón.

Fue coordinador del Proyecto Arte 18 CEP N° 15 José Hernández. Fue coordinador del Espacio de Arte en Radio Libertad, Resistencia. Actualmente coordinador de Espacio de Arte; Noni Andresen;.
Jurado de ARTECO (Feria de Arte Contemporánea, Corrientes 2020).
Jurado del Primer Premio Nacional de Artes Visuales NBCH.
Sus últimas muestras individuales -» Múltiples Estados Probables; Dibujos (2022) CCU Universidad Nacional del Nordeste, Corrientes Capital. “Geométricas” (2022) CC Nordeste, Resistencia’-Chaco.Partes de un todo- Retrospectiva” (2017): Centro Cultural Nordeste; Geometría de la disgregación” (2015) Museo de Bellas Artes, René Bruseau, Resistencia Chaco; Laboratorio Central; (2012) Centro Cultural Borges. Buenos Aires; «Arquitectura de la Resistencia” (2010)- Proyecto “La línea piensa» coordinado por Luis Felipe Noé y Eduardo Stupía- Centro Cultural Borges, Buenos Aires; “Sinfin” (2009), Museo de Bellas Artes; Juan Ramón Vidal.

Catalina Chervin
Nació en Corrientes, Argentina, en 1953. Vive y trabaja entre Nueva York y Buenos Aires.
Egresada de la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova, formándose con importantes maestros argentinos como Juana Butler, Teresio Fara, Kenneth Kemble, Ideal Sánchez, Eolo Pons y Emilio Renart, entre otros. Desde hace 35 años trabaja como artista en residencia en la ciudad de Nueva York, en el taller de grabado de Robert Blackburn y con el artista Takuji Hamanaka, entre otros talleres. Realizó obras en colaboración con los masterprinters Lothar Osterburg (Nueva York 2004, 2010, 2015), Kathy Caraccio (Nueva York 2003) y Devraj Dakoji (Nueva York, desde 2017 al 2022).

Cynthia Kampelmacher
Nació en 1968, vive y trabaja en la Ciudad de Buenos Aires.
Licenciada en Artes Visuales y docente U.N.A.

Ha realizado numerosas muestras individuales y colectivas, entre las más recientes se destacan: Premio Trabucco por invitación de la Academia Nacional de Bellas Artes Dibujo ediciones 2024 y 2018, Fundación Osde y Museo Sívori; Premio 8M 1ra y 3era edición, CCK, 2021-2023; Anonymous Drawing, Galerie Im Körnerpark, Berlín 2022; Salón Nacional de Artes Visuales; Casa del Bicentenario; Revelación de un mundo, Casa del Árbol, 2019;; Premio F.N.A., 2018; Reinscripción de un paisaje – ejercicio pour la galerie, galería Nora Fisch, 2017.
Sostén (una columna, un dibujo circular), CCSM, 2016.
Obtuvo reconocidos premios y becas para producción y residencias internacionales, entre otros: Premio 8M 2023; Premio Konex Dibujo 2012-2022; 1er Premio Salón Nacional Dibujo, 2021; 1er Premio de la Bienal Nacional de arte contemporáneo de Bahía Blanca, 2009; Becas del F.N.A., 2021 y 2010; Beca Oxenford, 2019 y 2020; Flora ars+natura, residencia Bogotá, Colombia; Becar Cultura; Ministerio de Cultura Nación, 2017; Residencia Contadora, Panamá; Fundaciones Carolina y Fundación LLopis, 2008; Beca Antorchas para el Banff Centre for the Arts, Canadá, 2004. Participó de la Beca Kuitca 2003-2005.
Se desempeñó como jurado en el Salón Nacional de Artes Visuales SNAV2023.
Sus obras han sido reseñadas en numerosos artículos y se encuentran en colecciones de museos nacionales y privadas de Argentina y otros países.

Delia Cancela
Nace en Buenos Aires, estudia en las Escuelas Nacionales de Bellas Artes.
En 1967 viaja a París con una beca otorgada por el gobierno francés, de 1969 a 1970 vive en New York, de 1970 a 1975 vive en Londres, de 1975 al 2000 vive en París. Actualmente reside entre Buenos Aires y París.
Desde sus comienzos en la vanguardia de los años 60 forma parte de los artistas del Instituto Di Tella. En 1967, junto con Pablo Mesejean, recibe el Premio Braque, beca, otorgada por el gobierno Francés. A partir de los años 70, en Londres crea la marca inglesa Pablo; Delia con la que trabajará hasta mediados de los años 80. En el año 2000 es nominada para el premio Jorge Romero Brest, otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte (A.A.C.A, A.I.C.A). En 2004 recibe el Premio Directorio a la trayectoria artística, del Fondo Nacional de las Artes, en 2005 recibe un homenaje a su trayectoria en la muestra En la Orbita del Di Tella, Expotrastiendas. En 2007 un homenaje a su trayectoria artística en el marco de la feria de arte ArteBA. En 2013 es nombrada Personalidad destacada en el ámbito de la cultura, por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires En 2015 ArteBA, le dedica un segundo homenaje a la trayectoria, 2018 recibe el Primer Premio Nacional a la Trayectoria Artística, otorgado por el Ministerio de Cultura de la Nación. En 2019 Premio Mujer Creativa 2019, Facultad de Diseño y Comunicación, Universidad de Palermo, Buenos Aires, Argentina.
Su obra se encuentra se encuentra en distintas colecciones, publicas y privadas:
Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina. Museo Nacional de Bellas Arte, Buenos Aires, Argentina. Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti, Buenos Aires, Argentina.
Victoria & Albert Museum, Londres, Reino Unido. MACRO, Museo de Arte Contemporáneo, Rosario, Argentina.
Museo Ferreira, Córdoba, Argentina. Fundación Klemm, Buenos Aires, Argentina.
Fundación Helft, Buenos Aires, Argentina. Institute for Studies on Latin American Arte (ISLAA), Nueva York.

José Marchi
Nació en Buenos Aires en 1956.
Egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano y Prilidiano Pueyrredón.
En Buenos Aires, realiza exposiciones individuales en las Galerías Arthea
(1977/1978/1979/1980), Wildenstein (1982/1984), Zurbarán (1992/1993/1995/1997/1998/1999/2000/2001), el Centro Cultural Recoleta (2005) y la Fundación Mundo Nuevo (2007/2015).
En el exterior, realiza exposiciones individuales en Podewill, Berlín, Alemania (2004); Religio Musica Nova, Zurich, Suiza (2007); Patrick Marchal Gallery, Bruselas, Bélgica (2007); Cypres Galerie, Leuven, Bélgica (2009/ 2011); y Latin American Masters, Los Angeles, USA (2007/2011/2013/2017).

En 2013 obtiene el Gran Premio de Honor de Dibujo en el Salón Nacional de Artes Visuales. En 2016 se le otorga el Premio de Pintura “María Calderón de la Barca” y el Primer Premio de Dibujo en el Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano.
En 2017 es incorporado como académico de número en la Academia Nacional de Bellas Artes.
Actualmente es Presidente de la Fundación Alberto Trabucco.

José Villalonga
José Martín Villalonga nació en 1966 en San Martín, provincia de Buenos Aires, Argentina.
Reside y trabaja desde el año 2001 en la ciudad de San Carlos de Bariloche. Es músico y docente. Desde el año 2010 desarrolla su práctica artística a través del lenguaje de la fotografía, performance, video, intervenciones urbanas, dibujo e instalaciones. Fue participante de la primera edición del Programa Federal para las Artes Río Negro Art Boomerang, dirigido por el artista y curador Daniel Fischer. Realizó clínica de obra con Fabiana Barreda, Lila Siegrist, Andrés Labaké, Rafael Cippolini, Luis González Palma, Florencia Batitti, Cecilia Rabossi, Rodrigo Alonso, Claudio Iglesias, Aníbal Buede, Eva Grinstein, Diana Aisenberg, Curatoría Forense y Visions of Art. Participó en muestras colectivas e individuales en Argentina, Chile y Bolivia y residencias en Argentina y Uruguay. En el año 2012 crea la plataforma de gestión autónoma de arte contemporáneo Die rote Tapete.

Lucía Pellegrini
Nacida en Buenos Aires en 1978.
Me formé con Marisol Jinda. Realizó Clínica de Obra con Claudia del Rio, Leticia Obeid, Marina de Caro y Daniel Fischer. 2023/4. Premio J.A. Trabucco Escultura. MNAD 2022. Muestra Individual. Habito Galería. 2021. Mención especial del jurado. Escultura. SN. 2021. OtraFeria, Hábito Galería. 2021. Beca Creación. FNA. 2020. Premio UNNE. Exposición Individual MUMA.
2019 Exposición colectiva en Elementa, Niza, Francia. Para Todes Tode, CC Haroldo Conti; Concurso del FNA, CNB. No Photo, Nice, Francia. 2018 Premio Itaú, CNB. No Photo, Nice, Francia. Beca Creación. FNA. 1° Premio Dibujo Salón Provincial. 2017 Galería Praxis, Concurso del FNA. 2016 Premio Banco Cuidad, CCR; en “Opera Prima “, CNB, 105° SN.

Escultura y 1 °Premio en Salón Provincial de Chubut. 2015 Beca Nacional FNA. “Mención Especial de Jurado”, Escultura, 104° Salón Nacional. 2014 LXVIII Salón Nacional de Rosario, Castagnino y BRA 2014, Bienal Regional de Bahía Blanca.
Vivo y produzco mi Obra en Puerto Madryn, Provincia de Chubut.

Matías Ercole
Nace en Buenos Aires en 1987.
Estudia la Licenciatura en Artes Visuales en el IUNA y asiste a clínicas y talleres de Pablo Siquier, Itamar Hartavi, Claudio Caldini, Ernesto Ballesteros, entre otros. Durante 2014 fue becario del programa del Centro de Investigación Artísticas (CIA) de la Fundación START y realizó residencias de producción e investigación en Barcelona (HANGAR), en Uruguay (EAC) y en la ciudad de Torino, Italia. Entre los premios y reconocimientos que ha recibido, se destacan el Premio nuevo Talento Drawing Room Lisboa (Portugal) en 2019, el Primer Premio Adquisición – Dibujo del Salón Nacional (Buenos Aires) en 2017; la Mención Honorífica del Fondo Nacional de las Artes (Buenos Aires) en 2016, y la Mención Especial del jurado del Premio Klemm (Buenos Aires) en 2013. Resultó ganador de la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires en dos ocasiones, en 2013 y 2015. Su obra es parte de diversas colecciones públicas y privadas. Entre ellas, las del Museo de Arte Moderno de Mendoza; el Museo de Bellas Artes de Tandil; el Palais de Glace; el Museo Franklin Rawson de San Juan y la Colección Balanz.
Ercole exhibe de manera individual y colectiva tanto en espacios e instituciones de Argentina y el exterior, destacándose entre sus últimos trabajos: Ospite (Galeria Spazio Nuovo, Roma, 2024), Monumento (Galería Jorge López, Valencia, 2022), Futurismos (Casa Argentina, Roma, 2021), Re,visión (Munar, Buenos Aires, 2019), Y quiero agradecer / una vez más a dios / que hizo / como todos sabemos / todo / y que hizo / como todos sabemos / nada. (Galería Miranda Bosch, Buenos Aires, 2016), Te creo, te destruyo (Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, 2016), Solo Hazlo (EAC, Uruguay, 2016), Déjà Vécu (Galería Proyecto A, Buenos Aires, 2013), Site Specific Dibujo II, La Ola, (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 2012).
En 2021 funda el proyecto artístico colaborativo NVS, en la ciudad de Lisboa, Portugal, junto con otros amigos artistas.

Paula Senderowicz
Buenos Aires 1973.
Profesora de Pintura y licenciada en Artes Visuales. Becaria del Fondo Nacional de las Artes, de la Secretaría de Cultura de la Nación y de la Fundación Antorchas. Obtuvo primeros premios en el Salón Nacional de Rosario, Fundación Williams, Fundación Patagonia. Menciones en Salón Nacional de Artes Visuales, Fundación Klemm y Bienal de Bahía Blanca entre otros.
Algunas exposiciones en las que participa: Premio Trabucco Pintura. Simbiologías, C.C.Kirchner. Paisaje Argentino Contemporáneo, CEC Rosario. Pensamiento Salvaje Bienal Sur, Casa Nacional del Bicentenario. Water, Pouch Cove, Canadá; Artistes Argentines Galerie Oz’Art, Francia; La inquietud que atraviesa el río y Paisajes sonoros, galería Insight Arte, galería Revisitas. Las entrañas del Arte, Fun. OSDE. Museo MACRO Rosario. Premio Petrobras Arteba. Bienal del Fin del Mundo Ushuaia.Contemporáneo XVIII MALBA. Paisajes transitorios, Fac. Psicología UBA. Trasnient Shelter, Banff Canadá. Sintonía del horizonte, Brodershon Martínez.

Rocío Coppola
30/3/1965 – 18/1/2020 (Buenos Aires, Argentina)
Realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes Regina Pacis ( 1983-1986) y Prilidiano Pueyrredón (1987-1989). Concurrió al taller del Escultor Aurelio Machi. Asistió a las clases de la Escultora Lorrie Goulet en el Art Student League of New York. Trabajó como asistente en el taller de la Escultora Ursula Von Rydingsvard en Brooklyn, N.Y. En el 2008 asiste a “Intercambios”, Programa de análisis de obra y discusión de proyectos coordinado por Patricia Hakim y Valeria González.
Desde el 2006 asiste al taller de arte contemporáneo dictado por artista Fabiana Barreda.
Como docente se desempeña como adjunta en la catedra de Psicologia del Arte, en la carrera de Gestion del Arte y Cultura de la UNTREF y dicta clases particulares en su taller.

Sara Goldman
Nació en 1957 en Córdoba, Argentina, donde vive y trabaja. Es artista visual y sus obras son
creadas a partir de materiales de desecho que reutiliza -y resignifica- para crear instalaciones singulares en pequeña y gran escala.
Participó de muestras individuales y colectivas en Córdoba y el resto del país. Estudió arquitectura durante sus primeros años universitarios y posteriormente se graduó como docente en Artes Plásticas en la Escuela Superior de Bellas Artes Dr. José Figueroa Alcorta de Córdoba, donde también realizó la Diplomatura en Escultura.
Estudió arte textil con Graciela Szamrrey, Ana Mazzoni y el Profesor Luis Negrotti en Buenos Aires; diseño con el Arquitecto Gonzalo Vivian; concurrió al taller de Ana Luisa Bondone y cursó el posgrado en Diseño Experimental, dictado en la Universidad Católica de Córdoba, a cargo del Arquitecto César Naselli.
Ha formado una colección propia integrada en su mayoría por artistas cordobeses. Es miembro de la Asociación de Amigos del Museo Caraffa.

Silvana Montecchiesi
Nació en Isla Verde en 1980, Córdoba, Argentina, es ilustradora científica botánica, artista visual y docente. Se graduó de la Escuela Provincial de Bellas Artes Dr. José Figueroa Alcorta y realizó un posgrado en Gestión de Emprendimientos Culturales y Creativos en la F.C.E de la U.N.C. Además, estudió Ciencias Biológicas. Trabaja como ilustradora en el Museo Botánico de Córdoba. Ha sido seleccionada para diversas residencias y exposiciones, entre ellas la Residencia Río en La Paz, Entre Ríos, 2024 y la exposición GREEN Open Gallery en el Real Jardín Botánico del Paseo del Prado, Madrid, en 2024. También fue convocada para la Bienal de Dakar 2024 y la muestra Charm Offensive de Jasmina Cibic en Nueva Zelanda, así como en las exposiciones de Gabriela Acha en Hoogtij, La Haya, y en Bélgica. Ha sido seleccionada para el Salón de las Mujeres Marina González Lucchini en Villa María en 2023, en el X Salón Nacional de Artes Visuales en Tandil (Mumbat 2021) y el Premio Internacional de Ilustración Científica y de Naturaleza Illustraciencia en España en 2021. Participó en el Mercado de Arte Contemporáneo Córdoba en 2021 y 2023 y en las residencias de Ilustración Botánica a Campo en Chile y La Sala que Habito en Córdoba. Obtuvo una beca de Formación del F.N.A. en 2019 y el Primer Premio de Ilustración Científica en Ecuador. Con su proyecto Ciudad Medicinal, fue seleccionada en el III EEIP de Arte y Ciencia del Paisaje de la UCC en 2021. Ha asistido a clínicas de Rodrigo Alonso, Claudia del Río y Daniel Fischer, y ha participado en exposiciones individuales y colectivas tanto a nivel nacional como internacional. Además, dicta talleres de dibujo botánico e investiga en su proyecto Ciudad Medicinal, trabajando con pigmentos y aromas de plantas nativas de Córdoba. Obtuvo el Ensayar Museos 2022 y 2023 de la Fundación Williams con el proyecto Biodiversa.

Viviana Blanco
Nace en San Carlos de Bariloche Río Negro en 1975. Licenciada en Artes visuales, UNA. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Es docente de la Cátedra Proyectual Pintura de C. Bissolino en la Universidad Nacional de Arte desde 2003.
Este año 2024 fue seleccionada para el premio J.F. Klemm y participar de la muestra colectiva Dibujar es crear mundos, en el Museo de arte Moderno de Bs As.
Participó en 2023 de las siguientes exposiciones individuales: Aquello que toca el viento, Galería Palatina. Un día infinito, galería Tokonoma.
En 2021 recibió una Mención del Salón Nacional en Instalaciones y Medios Alternativos. En 2019 obtuvo el Primer premio de Dibujo del Salón Nacional de Artes Visuales. En el 2022 participa de la muestra No he visto árboles de tal naturaleza en la Fundación Osde y fue invitada a participar de la Residencia Pouch Cove Foundation en Newfoundland, Canadá.
Ha participado en el premio Itaú Artes Visuales con una muestra en el Museo Caraffa, Córdoba 2023.
Obtuvo becas y subsidios del Fondo Nacional de las Artes, Fondo Nacional de Cultura Económica, Programa Nacional de Adquisiciones de Obras de Arte Contemporáneo, participó de una Residencia para artistas Iberoamericanos promovida por AECID, CONACULTA y FONCA. En 2013 recibió la mención especial del jurado en el Premio Braque otorgado por la embajada de Francia y Untref Argentina. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas como Castagnino-Macro Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Fondo Nacional de las Artes, Impulsarte Rural Argentina, Banco Supervielle entre otros.

Lucas Miguens
Es un escultor y arquitecto argentino radicado en España desde 2021. Con una formación en ambas disciplinas, su trabajo se centra en explorar la modularidad, la repetición, la geometría, el concepto de nodo, la espacialidad y la conectividad. Residiendo en Copenhague desde 2014 hasta su mudanza a España, Miguens ha desarrollado un estilo que combina piezas casi idénticas en formas repetitivas, creando coherencia y reflexión en sus esculturas. Utilizando una variedad de materiales y técnicas, su obra emerge de elementos singulares que, al multiplicarse, generan formas complejas y armónicas.

Lucas Aguirre
Nació en Córdoba en 1979. Estudió Artes Plásticas en la Universidad Nacional de Córdoba.
Realizó clínicas de seguimiento de obra conAnanké Asseff (CCRIT / 2014-2016), Daniel Fischer (Art Boomerang / 2012-2013)Diana Aisenberg (MDA / 2017- 2018) Elián Chali (Corriente Alterna 2023) y workshops con Grupo Mondongo, Remo Bianchedi y Mariano Sardón.Ha participado en exposiciones como “Dimensionalisti” / CADAF Art Fair x Kate Vass Gallery. (2021) Muestra dedos artistas, junto al pionero del arte digital Charles Csuri.(NuevaYork/Estados Unidos.); A constructive instability» Art Mur (2021 Montreal, Canadá) “Friso” Visuales Famaf (Córdoba 2018); No hablo de la representación del fuego, hablo del fuego; Museo Lino Enea Spilimbergo, (Unquillo, Córdoba 2015; Una grieta en todo; Museo Genaro Pérez (Córdoba 2014) Sus obras han sido exhibidas como parte del premio ITAU 2019-2020, ITAU 2015-2016, en el Concurso Nacional UADE 2016 y en el Salón y Premio Ciudad de Córdoba 2016.
En 2017 fue seleccionado en el programa nacional “Plataforma Futuro” con el proyecto “Alteridad, exploraciones en el cruce de realidad virtual, psicología y arte” con tutoría de Martín Bonadeo.

STATEMENTS

Alicia Esquivel

La naturaleza tiene un rol central en mi trabajo, es un tema recurrente. Retrato mi tierra, tan misionera como paraguayamente correntina. Nací en una zona donde la naturaleza, hoy en peligro, es brutal. Abordo conceptos como huellas, vacíos, residuos, borrados; conectada siempre con lo visual, lo olfativo, lo táctil; temas que tienen que ver con la recuperación y los desastres ambientales. Comienzo a dibujar como quien empieza a hablar. Por medio del trazo reaparecen a veces quiméricas fieras, vegetación selvática, plantas autóctonas, máscaras que exhalan sortilegios y exorcizan el miedo. Acudo al ritual del dibujo, trato de detener el curso de lo que está en vía de extinción, adueñarme de la esencia y, en la misma ceremonia, capturar el pasado y volver a transitar la impenetrable y enmarañada selva. A veces son veladuras casi evanescentes, que se esfuman como el humo o el vapor.

Grises sobre grises se suceden: carbón, grafito, tintas, punta de plata son las herramientas que me acompañan en el intento por atrapar las formas.

Andrés Bancalari

Los ejercicios y las pruebas que dibujo dan como resultado composiciones de figuras geométricas. Perspectivas, texturas, valores y color, construyen tridimensionalidad logrando espacialidad en el plano.

La pretensión es experimentar con la relación entre la figura y el fondo, tratando de conseguir un equilibrio compositivo.

Las series que produzco nunca tienen un final, por el contario, cada dibujo habilita a uno nuevo. Los soportes y los materiales se adaptan a la necesidad de producir múltiples configuraciones posibles.

Catalina Chervin

Hay un vacío en mi obra, la expresión de un vacío que se llena de formas.

Formas que parecen ser órganos, pájaros, fragmentos de un cuerpo humano cortado en mil pedazos, monstruos de una mitología propia, paisajes, torres donde la multitud se cae y se desparrama armando un mundo e inundando el espacio.

Formas que conforman un tejido sinuoso que se ensambla amordazándose, donde cada figura se engendra y engendra a otra simultáneamente hasta el infinito.

Mis dibujos también son trazos cortados, papeles rotos, con rajaduras, con lastimaduras, con líneas sutiles que gritan desde las profundidades de la historia misma, de mi propia historia.

Una historia que me contaron y otra que viví. La que me contaron mis abuelos y mi madre, judíos rusos perseguidos y exiliados. Una historia, quizás no tan diferente a la que me tocó vivir de cerca, muy de cerca, cuando ya vivía en Buenos Aires durante la dictadura militar de mi país, en los años setenta, que me hizo sentir demasiado cerca la crueldad, el terror y que me obligó a esconderme y exiliarme.

Trazos que se tejieron y que marcan esta obra/laberinto que me refleja. Este tejido de los detalles infinitos en mi obra es el terreno sobre el que dibujo y construyo estas imágenes de mundo que emergen desde la creencia , secreta, en la esperanza y la belleza.

Cynthia Kampelmacher

Mi trabajo gira en torno a la percepción de las imágenes y las problemáticas de la imposibilidad de la representación mimética como procesos que afectan la subjetividad.

Sensibilizar la mirada, alterar el punto de vista del observador y a su vez promover una reflexión sobre lo que vemos, cómo lo vemos y lo percibimos y la imposibilidad de una respuesta unívoca y permanente son mis principales intereses, una apuesta por la desmaterialización y la incertidumbre. Durante más de 15 años he desarrollado un extenso ensayo gráfico tomando como referencia fotografías de marañas selváticas. Como un alquimista que no transforma los metales en oro, sino que lo intenta una y otra vez, estas imágenes han sufrido cientos de iteraciones, traducciones centradas en el dibujo y mutaciones a medida que diferentes medios, materiales, técnicas, lenguajes y procedimientos pasan y migran del plano al espacio. (de las imágenes a los objetos, de los objetos a las instalaciones, de las instalaciones a las intervenciones específicas del sitio) tratando cada vez, más de afectar la conciencia sobre nuestra percepción del medio ambiente como esencial para el mundo en el cual dejamos huella, construimos o destruimos.

Delia Cancela

Hay un antes y un después? ¿Dónde comienza, donde acaba la destrucción, el dolor?

El descreimiento me atrapa, esta tela de 9 metros que se extiende en la sala de exposición nos cuestiona.

La instalación parte de una serie de dibujos hechos en su mayoría durante noches silenciosas, lúcidas y confusas al mismo tiempo, una serie iniciada en 2019 antes de la pandemia, y que continué hasta el día de hoy.

Sobre Raquel Forner su obra, una obra que admiro desde los 12 años, cuando visité por primera vez el MNBA… entrando a la sala de la colección de Amalita Fortabat no dudé, allí fue mi mirada, la mujer, el pájaro, el presagio y los ojos en el cielo, ella sería parte de mi inspiración, no creo en la pura dolor o puro goce, con ella siento vulnerabilidad y poder.

Mi performance será filmada, partirá de mis dibujos. Serán 6 tomas con cámara fija frontal, filmadas en el transcurso de un día.

Ella, el personaje será mi alter ego, mi recuerdo que juega con los cardos al atardecer. La pintura-capullo envolverá su cuerpo y finalmente lo dejará libre.

En la caminata, con el delantal-impronta de pájaros llevará los frutos hasta este mágico lugar de terrón de tierra y los ofrecerá al sol.

El musgo-planeta lo sostendrá como parte de ella misma, para en el final herirlo, clavándole un cuchillo.

El pájaro-mujer intentará volar sin lograrlo y finalmente la línea roja que sale de su corazón-dolor se extenderá para atravesar agua, tierra, fuego, cielo, piedra…un hilo de sangre llevado por seres vivos, animales y plantas… atravesando el planeta con amor? ¿Con deseo de que todo va a estar bien? ¿Pensamiento inconcebible?

L’amour, toujours l’amour…

José Marchi

El dibujo está íntimamente ligado a mi práctica pictórica.

Ambas disciplinas se complementan utilizando materiales y procesos aparentemente opuestos.

La tradicional materia seca del dibujo, grafito y carbón, sostiene la fluida materia pictórica.

En estos dibujos los protagonistas son anónimos personajes retratados en fotografías de finales del siglo XIX y principios del XX, fuentes visuales citadas recurrentemente en mi obra desde la década del 90, que, descontextualizados de sus tareas originales, se debaten entre la aparición y la desmaterialización, anhelando alcanzar la fuente lumínica de la composición.

La «luz» emerge del fondo intocado del soporte, resultado de la sustracción de materia, mientras que la «sombra» aparece por adición de materia.

Este diálogo entre la luz y la materia constituye el núcleo principal de mi búsqueda formal y conceptual en la producción de mi obra.

José Villalonga

En mi trabajo construyo escenas o realizo acciones a través de performance, fotografías, videos, dibujos o instalaciones. Me interesa la zona de intersección del paisaje interno y del externo, cómo se organiza la construcción de ambos paisajes y cómo se produce conocimiento a través de esa organización. En ese lugar puedo decidir qué cosas mostrar, qué sugerir, y qué ocultar. Opero apropiándome de sistemas y significados ajenos o preestablecidos, los incorporo a mi manera de accionar, resignificando, estableciendo nuevas relaciones, forzando a los objetos o a mi propio cuerpo hasta encontrar nuevas preguntas. Me atrae caminar por el borde, caminar en una frontera y sentir que puedo pertenecer a un lado o al otro. La performance se produce en el encuentro de los dos espacios; es un medio que provoca una relación. El cuerpo conoce en ese equilibrio o en la pérdida del mismo. Quiero vencer la fuerza de la gravedad aunque sepa que la caída es inevitable. El tiempo, más allá de una marca arbitraria, es un elemento sobre el cual delineo un plan o estrategia de trabajo. Si esos procesos de búsqueda y experimentación no son transformadores nada de lo que haga tendrá sentido.

Lucas Aguirre

Trabajo combinando elementos de la realidad física en un espacio virtual.

Trazos de pintura, personas y lugares son escaneados tridimensionalmente y reconfigurados.

El resultado de esas operaciones puede retornar al plano físico y sercontinuado analógicamente, un ida y vuelta entre modos tradicionales y nuevosmedios.

Entiendo las herramientas digitales como una posibilidad de subvertir elementos cotidianos y así generar otras visiones. Lo virtual como espacio de pura potencialidad.

Lucía Pellegrini

Trabajo con el tiempo y el permanecer. Eternizar y poseer. Un pequeño trazo, una acción simple, se hace presente y toma cuerpo. Tomo un elemento casi código, casi cómplice y lo multiplico como un ADN. De la suma infinita de “presencias”, se devienen en una suerte de cofradías; sistemas fraternales logran una particular autonomía. Utilizo siempre elementos de lo cotidiano, accesibles, dispuestos; convirtiéndose temporalmente en indispensables. Ocurre con restos de utilitarios que optan por ser un frágil mar de mármol, papel de mármol, hilos en cielos, en constelaciones, tinta de birome en agua.

Matías Ercole

El trabajo de Ercole se asienta sobre la certeza de que el dibujo es capaz de hacer visible lo invisible y, en sus últimas obras se centra en el estudio de la luz como eje y personaje central de su sistema. Interesándose por aspectos identitarios, corporales e iconográficos de esta entidad a través de la historia, los saberes ancestrales, los relatos y en un encuentro entre diversas geografías y territorios.

Sus obras comúnmente de grandes dimensiones se presentan como si la arquitectura fuese un despliegue literal de la pintura, de modo que el observador no contemple ya la pintura en cuanto algo exterior a él, sino que la vea desde dentro.

Paula Senderowicz

El dibujo siempre me seduce por su energía proyectual. A menudo utilizo los medios y materiales primigenios del arte, me entrego a la sutileza del lápiz y el papel, así como a la mágica simbiosis del agua y los pigmentos. Apilar cilindros alzando una barricada; encimar prismas para un refugio temporario que mientras se eleva se derrite; recurrir al binario frío calor para subrayar la falla, o la pérdida de un paisaje líquido.

Otras veces utilizo el puntero digital para trazar por ejemplo, una sucesión de puntos blancos sobre un mismo fondo negro, un conjunto de estrellas en el cielo nocturno. Desde una mirada cósmica las estrellas y el agua están íntimamente relacionadas; es a partir del agua que los seres vivientes se comunican con el universo. Los reflejos del cosmos en las superficies de mares lagos y ríos, son vía de comunicación entre la tierra y el universo. En Asterismo tsunami las estrellas se agrupan dibujando una ola que da contra un muro, nuevamente el agua como elemento mediador entre las estrellas y nosotros.

Utilizando mayormente la tecnica del esgrafiado, sus dibujos se construyen rasgando material y a traves de una infinidad de incisiones que permiten descrubir capas subyacentes de color y luz, que recortan contornos y corporizan naturalezas.

Paisajes impresos de un carácter místico y sutil que carga en sus espaldas arqueología: otras imágenes, otras historias, otros varios tiempos; donde pareciera que el fin último del artista es ubicarnos frente al misterio, obligarnos a transitarlo, pero sabiendo que no podemos ver que hay del otro lado de él.

Rocío Coppola

“Trabajo con las posibilidades estéticas de los materiales industriales asociados al devenir de las naturaleza. En esa transformación las texturas y la formas quedan suspendidas en el espacio liberándose de su propia gravedad, generando misteriosos organismos.”

Sara Goldman

Yo trabajo con desechos y obsolescencia de objetos. Encontré una caja con minas y lo primero que sentí es el deseo que provoca tener un lápiz en mis manos y trazar una línea ondulada como se ve en la obra.

Silvana Montecchiesi

Las texturas y pieles de los árboles, las hojas en sus variados estadios, y las estructuras microscópicas de cada flor nos revelan su constante cambio, su vitalidad, registrando y comunicándose con el entorno. En mi obra, deseo compartir este asombro y fascinación con el espectador. Es una invitación a detenerse, a descubrir las formas y estructuras que nos rodean, y a encontrar una conexión más profunda con nuestro entorno. Una nueva perspectiva se ofrece, en un mensaje sutil pero preciso, para revelar la belleza y complejidad de la naturaleza.

Viviana Blanco

El dibujo está en el centro del desarrollo de mi trabajo; a partir de ahí amplío la experiencia hacia la instalación y la cerámica. Mis obras suelen desarrollarse a gran escala, sobre papel o sobre muro, explotando el mínimo recurso (carbonilla) en su vasta expresión.

En mi trabajo aparece y reaparece el relato de un paisaje vivenciado en la infancia. La Patagonia, donde nací, ha marcado estrictamente mi trabajo y se ha convertido en el lente a través del cual percibo el mundo.

El recuerdo de las impresiones ante la inmensidad, el alto contraste que recorta las montañas contra el cielo, las sombras superpuestas en los bosques, o determinados pelajes recortados en la nieve, dan paso a un universo de asociaciones fantásticas. Son esas primeras impresiones de una comprensión poética y primaria, que rescato de la niñez, que dan marco de lectura a todos los paisajes con los cuales interactúo en la actualidad. La propuesta siempre es transitar nuevamente el asombro y desconcierto, para homenajear o señalar situaciones que me comprometen social y emocionalmente con el paisaje.